Kunstgeschichtliche Bücher, die jeder Student der Künste lesen sollte

Es ist nie eine schlechte Idee, Ihre Unterrichtsanforderungen mit anderen Publikationen zu ergänzen; die Listen der Lehrpläne für Kunstkurse können mitunter recht umfangreich sein. Benötigen Sie Vorschläge für Bücher, die Sie in Ihre Sammlung von Kunstgeschichte-Titeln aufnehmen können? Wir haben für Sie eine Liste mit den wichtigsten allgemeinen und speziellen Büchern zur Kunstgeschichte von der Antike bis zur Gegenwart zusammengestellt. Im Folgenden finden Sie diese Liste.

Das Gebiet der Kunstgeschichte ist aufgrund seiner Beschaffenheit wandelbar und offen für ständige Kritik und Neubewertungen. Dennoch ist es notwendig, dieses Wissen zu haben, oder zumindest erleichtert es den Erwerb dieses Wissens. Vertiefen Sie Ihr Wissen über dieses Thema, indem Sie eine oder mehrere unserer Empfehlungen für Ihr Studium nutzen.

„Janson’s History of Art“, geschrieben von Penelope Davies

Das von Horst Woldemar Janson geschriebene Buch war mehr als 60 Jahre lang das Standardlehrbuch für den Kunstgeschichtskurs 101 auf der ganzen Welt. Es versprach einen umfassenden Überblick über Malerei, Bildhauerei und Architektur von den Anfängen der Zivilisation bis zum heutigen Tag. Das ist ihm größtenteils gelungen, aber es gab einen eklatanten Mangel: Künstlerinnen. Dies war ein großes Versäumnis. Janson vertrat das Vorurteil, dass es keine gab, die einer ernsthaften Betrachtung würdig gewesen wären.

Dieses Vorurteil entsprach der Entstehungszeit des Buches in der Mad-Men-Ära und wurde vom Autor bis zu seinem Tod im Jahr 1982 aufrechterhalten. Jansons Name wurde im Titel des Buches beibehalten, obwohl er durch eine Änderung im Jahr 2006 im Wesentlichen aus der Erzählung seines eigenen Buches entfernt wurde. Werke, die als Meisterwerke bezeichnet wurden, wie James McNeill Whistlers Gemälde Arrangement in Grau und Schwarz Nr. 1 von 1871, auch bekannt als Whistlers Mutter, wurden ausgelassen.

Andererseits wurden bisher vernachlässigte Disziplinen wie die Fotografie und die dekorative Kunst sowie endlich auch Künstlerinnen aufgenommen. Darüber hinaus wurde Jansons Betonung des männlichen Künstlers als Genie durch eine umfassendere Lesart ersetzt, die Faktoren wie Hautfarbe, soziale Schicht und Geschlecht berücksichtigt. In der jüngsten Version, die 2013 erschienen ist, wurde die Berichterstattung über islamische Kunst so weit ausgeweitet, dass sie nun ein eigenes Kapitel erhält.

Hal Foster, Rosalind Krauss: Kunst seit 1900

Art Since 1900 wurde 2005 als Korrektur der typischen Kunstgeschichte veröffentlicht und richtet sich gleichzeitig an ein breiteres Publikum. Es wurde von Personen zusammengestellt, die mit der kunstkritischen Vierteljahreszeitschrift October verbunden sind, die für ihre dichten und anspruchsvollen Texte bekannt ist. Dennoch behält das Werk die dornige Haltung von October und seine poststrukturalistischen Tendenzen bei, d. h. es ist misstrauisch gegenüber der Idee, dass Kunst einzigartige Gefühle widerspiegelt, die die Zeit überdauern.

Infolgedessen zeichnet das Buch die Entwicklung dessen, was es als Modernismus, Antimodernismus und Postmodernismus bezeichnet, nicht anhand der Laufbahnen von Künstlern oder Gruppen nach. Stattdessen bietet es eine textliche Dekonstruktion der Kunst des 20. Jahrhunderts durch eine Reihe von kurzen Essays, die mit spezifischen kulturellen oder historischen Ereignissen für jedes Jahr zwischen 1900 und 2003 verbunden sind.

Es beginnt mit der Veröffentlichung von Sigmund Freuds Traumdeutung und endet mit der 50. Biennale von Venedig. Biennale von Venedig. Je nachdem, für wie wichtig Sie diese Ereignisse in Bezug auf die Kunstgeschichte halten, wird Ihre Erfahrung möglicherweise anders ausfallen, aber Art Since 1900 zeigt den nicht-hierarchischen Charakter des Diskurses, der in der heutigen Gesellschaft weit verbreitet ist.

Giorgio Vasari, Leben der Künstler

Die Idee der Kunstgeschichte, wie wir sie kennen, wurde erstmals von Giorgio Vasari in seinen Biografien der wichtigsten Persönlichkeiten der italienischen Renaissance vorgestellt. Da viele seiner Themen seine unmittelbaren Zeitgenossen waren (er lebte von 1511 bis 1574), ist der Text eine wichtige Primärquelle für die Erforschung der historischen Periode, die den Beginn der westlichen Kunsttradition markierte (die selbst bis vor kurzem an das von Vasari erfundene narrative Genre gebunden war).

Die erste Ausgabe der Lebenden wurde 1550 veröffentlicht und deckt die Zeitspanne zwischen Cimabue (1240-1302) und Michelangelo (1475-1564) ab. Sie enthält auch eine umfassende Abhandlung über Architektur, Skulptur und Malerei als Einleitung. Spätere Historiker kritisierten Vasari dafür, dass er sich zu sehr auf Künstler aus Florenz und Rom konzentrierte, obwohl das Buch 1568 um Künstler erweitert wurde, die mit der Schule von Venedig verbunden waren, wie z. B. Tizian.

Trotz der Tatsache, dass Lives den Blick nicht über Italien hinaus richtete, breitete sich die Wirkung des Buches schnell in ganz Europa aus, und die erste seiner zahlreichen Übersetzungen erschien 1604 in der niederländischen Republik.

Kunst im klassischen Zeitalter: Von Griechenland bis Rom, von Mary Beard und John Henderson

Dieses Buch befasst sich in erster Linie mit den späteren Zivilisationen, obwohl die zweite Hälfte des Titels vermuten lässt, dass es sich um einen Überblick handelt, der mit dem antiken Griechenland beginnt. Die Hypothese besagt, dass die klassische Kunst ohne das Römische Reich nicht überdauert hätte, um den Weg für die Renaissance zu ebnen. Die Autoren behaupten, dass die römische Übertragung der griechischen Ästhetik den Grundstein für die westliche Kunst gelegt hat, und sie argumentieren weiter, dass die Römer die griechische Kunst nicht nachgeahmt, sondern vielmehr neu interpretiert und neu erfunden haben.

Dieses Argument stützt sich auf die Behauptung der Autoren, dass die Römer die griechische Kunst nicht imitierten, sondern vielmehr neu interpretierten und neu erfanden. In den fünf Kapiteln dieses Buches werden Malerei, Bildhauerei, Porträtmalerei und Denkmäler behandelt, wobei die Bedeutung, die die Lust an der Macht, an der Nachwelt und am Sex bei der Ausübung dieser künstlerischen Tätigkeiten spielte, hervorgehoben wird. Abstecher zu antiken Stätten wie Pompeji zeigen, wie neue Entdeckungen unsere Faszination für die Artefakte der Antike immer wieder neu entfachen und gleichzeitig darauf aufmerksam machen, dass ihr Überleben letztlich dem Zufall zu verdanken ist.

Die Geschichte der modernen Kunst , von H. Arnson

Es mag einschüchternd wirken, H.H. Arnasons Geschichte der modernen Kunst zu lesen, denn sie umfasst mehr als 650 Seiten, doch seit ihrer Veröffentlichung im Jahr 1968 gilt sie als die maßgebliche Darstellung der Kunst des 20. Jahrhunderts. Das erste Kapitel des Romans spielt im Paris des 19. Jahrhunderts, als modernistische Ideen wie die „Kunst um der Kunst willen“ formuliert wurden und Maler wie Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh, Seurat und Cezanne einige ihrer frühesten Beispiele schufen.

Anschließend werden einige der wichtigsten Kunststile wie Kubismus, Dada, Bauhaus, Surrealismus, abstrakter Expressionismus und Pop Art beschrieben, die in den letzten hundert Jahren Einfluss auf die Malerei, Bildhauerei und Architektur hatten. Das Buch erzählt die Geschichte einer revolutionären Epoche, die unsere Vorstellungen von der Welt und dem Stellenwert der Kunst in ihr revolutioniert hat. Dies geschieht durch eine große Anzahl von Grafiken und eine leicht verständliche Sprache. Die Geschichte der modernen Kunst, die derzeit in der siebten Auflage erscheint, wurde mehrfach überarbeitet, um die neuesten Entdeckungen und Trends in der Kunstwelt zu berücksichtigen, während das 20. und 21.

Die Geschichte der Kunst, geschrieben von H. Gombrich

Der Autor dieses Buches, E. H. Gombrich, stellt gleich zu Beginn fest, dass es „so etwas wie Kunst wirklich nicht gibt“. (Dieses Buch gehört auch zu den von den Mitarbeitern von Art in America ausgewählten unentbehrlichen Büchern.) Es gibt nur kreative Individuen“. Dieser Satz gibt den Ton an für das, was zu einem der bekanntesten Bände auf dem Gebiet der Kunstgeschichte geworden ist.

Gombrich vermeidet es, pauschale Aussagen über Bewegungen oder Ideen zu treffen, und konzentriert sich stattdessen auf bestimmte Kunstwerke und die Künstler, die sie geschaffen haben. Dabei handelt es sich in der Regel um männliche Künstler aus der westlichen Hemisphäre, mit einigen Ausnahmen für Beispiele antiker und Stammeskunst. Gombrich vertritt jedoch eine für einen Kunsthistoriker ungewöhnliche Position, wenn er behauptet, dass die Kunstgeschichte die Erfahrung der Kunst sowohl verdunkeln als auch erhellen kann, indem sie Informationen vermittelt, die dem Prozess des Betrachtens fremd sind.

Dies ist eine für einen Kunsthistoriker überraschende Position. Gombrich behauptet, dass so unterschiedliche Künstler wie Raffael und Cezanne alle auf vergleichbare Hindernisse gestoßen sind, als sie ihre Werke schufen, und dass am Ende die Absichten des Künstlers und nicht das Produkt selbst am wichtigsten sind. Er tut dies, indem er die beiden Künstler durch die Zeit miteinander verbindet.

Die Redakteure von Phaidon, The Art Book

Phaidons A-to-Z-Verzeichnis von Künstlern im Laufe der Geschichte ist das einzige Buch, das in Ihrer persönlichen Bibliothek nicht fehlen sollte. Dieses Verzeichnis ist sowohl aufschlussreich als auch prächtig gestaltet. In dem Buch werden die Werke von 500 Künstlern vorgestellt, deren Laufbahn vom Mittelalter bis zur Gegenwart reicht. Einige dieser Künstler sind bekannter als andere, aber alle erhalten die gleiche luxuriöse Behandlung, die aus einer fast ganzseitigen, vollfarbigen Reproduktion eines Schlüsselwerks besteht, das mit messerscharfer Detailgenauigkeit gedruckt wurde.

Jeder Eintrag wird von einem kurzen Absatz begleitet, der einen Überblick über den Werdegang des jeweiligen Künstlers gibt. Dieser Inhalt ist in einer klaren und leicht verständlichen Sprache verfasst. Da die Künstler in alphabetischer Reihenfolge vorgestellt werden, finden Sie auf jeder Doppelseite unerwartete Nebeneinanderstellungen von Stilen und Epochen.

So werden zum Beispiel auf einer Seite die Werke von Hendrick ter Brugghen, einem niederländischen Maler aus dem 17. Jahrhundert, mit denen von Daniel Buren, einem französischen Konzeptkünstler des 21. Dieser Band ist voll von atemberaubenden Bildern, die Ihnen den Atem rauben werden. The Art Book deckt ein breites Spektrum künstlerischer Medien ab, darunter Bildhauerei, Fotografie, Videokunst und Installationskunst, obwohl der Schwerpunkt auf der Malerei liegt.

Richard Shone und Jean-Paul Stonard: Die Bücher, die die Kunstgeschichte prägten

In The Books that Shaped Art History werden 12 Bücher untersucht, die bei der Einführung wichtiger kritischer Konzepte in die Kunstgeschichte eine wichtige Rolle spielten. Das Buch Art in 13th-Century France wurde 1898 veröffentlicht. Dieses Projekt bringt eine Gruppe führender Wissenschaftler und Kuratoren zusammen.Das von Male verfasste Buch war nicht nur eines der frühesten Studien zur mittelalterlichen Kunst, sondern auch eines der ersten, das die Ikonografie zur Entschlüsselung der Bedeutung von Bildern nutzte.

Der Vergleich von Kunstwerken auf der Grundlage des Stils wurde erstmals in Heinrich Wolfflins Grundlagen der Kunstgeschichte, das 1915 veröffentlicht wurde, ausführlich beschrieben. Dies ist die Methode, die heute verwendet wird. The Books that Shaped Art History ist ein faszinierender Einblick in die Art und Weise, wie die Literatur die Kunst beeinflusst hat, und umgekehrt. Obwohl das Buch sehr tief in sein Thema eintaucht, ist es dennoch faszinierend.

Autorin von „Afrikanisch-amerikanische Kunst“, Sharon F. Patton

In ihrer Studie aus dem Jahr 1998 stellt Sharon F. Patton eine Verbindung zwischen afroamerikanischer Kunst und der Erfahrung des Schwarzseins in Amerika zwischen dem frühen 18. und dem späten 20. Patton beginnt mit der Sklaverei und erörtert die Architektur der Plantagen sowie die afrikanischen Einflüsse, die die Häuser prägten, die sich die versklavten Menschen in den Südstaaten selbst bauten.

Im Anschluss an die Volkskunst und das Kunstgewerbe des 19. Jahrhunderts analysiert Patton, wie bedeutende historische Ereignisse wie der Bürgerkrieg, der Wiederaufbau und die große Migration die von Afroamerikanern in diesem Zeitraum geschaffenen Kunstwerke beeinflussten. Abschließend untersucht der Autor, wie die afroamerikanische Ästhetik im 20. Jahrhundert durch Bewegungen wie die New Negro-Bewegung in den 1920er Jahren, den schwarzen Nationalismus in den 1960er und 1970er Jahren und die Identitätspolitik in den 1990er Jahren geprägt wurde.

Kunst in der Theorie, 1900-2000: Charles Townsend Harrison und Paul Wood

Dieses Buch untersucht, wie der Titel schon sagt, die besondere theoretische Abhängigkeit der Kunst des 20. Vor dem Aufkommen der modernen Kunst konzentrierten sich die ästhetischen Debatten auf Fragen der Technik; so war die französische Akademie im späten 18. und frühen 19. Jahrhundert zwischen den Poussinisten, die ihren Namen von dem Neoklassizisten Nicholas Poussin aus dem 17. Jahrhundert hatten, und den Rubenisten, die ihren Namen von Poussins älterem Zeitgenossen Peter Paul Rubens hatten, über den relativen Wert von Linie und Farbe in der Malerei gespalten.

Wie Charles Harrison und Paul Wood es ausdrücken, brachte die Moderne die Kunst „vom Rande der öffentlichen Aufmerksamkeit in den Kern der Kulturwirtschaft“, weil sie eine ganze Philosophie für eine drastische Umgestaltung der Kunst entwickelte. Dieser Übergang vom Postimpressionismus zur Postmoderne wird von Harrison und Wood auf brillante Weise dargestellt.

Frauen, Kunst und Gesellschaft: Whitney Chadwick

Jahrelang schenkten Kunsthistoriker weiblichen Künstlern nicht die gleiche Aufmerksamkeit, und die wenigen, die Anerkennung fanden, taten dies nur, weil man davon ausging, dass sie die mit dem Frau-Sein verbundenen Nachteile überwunden hätten. Für diejenigen, die diese Ansicht vertraten, waren Frauen dazu bestimmt, ungeachtet ihrer Bemühungen niemals künstlerischen Erfolg zu haben.

Jahrhunderts waren die Leistungen von Künstlerinnen zu offensichtlich, um sie zu ignorieren, insbesondere in der zeitgenössischen Kunst. Im Jahr 1996 wurde eine Studie durchgeführt, die zahlreiche bisher unbekannte Künstlerinnen vom Mittelalter bis zur Gegenwart neu bewertete. Darüber hinaus beleuchtet das Buch ihre Kämpfe gegen die Frauenfeindlichkeit ihrer Zeit und die Art und Weise, wie sie trotzdem weiterarbeiteten.